Beni culturali in Alto Adige

Bene culturale / Oggetto

Hidden Female Pleasure / AliPaloma

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Titolo / Responsabilità: Hidden Female Pleasure / AliPaloma

Descrizione fisica: plastica : corpo cavo altezza 50 cm - larghezza 38 cm - profondità 20 cm

Data:2020

Nota:

resina epossidica
stampato
Nella scultura "Hidden Female Pleasure" AliPaloma tematizza il celamento del piacere femminile esponendo una clitoride. […] La clitoride esposta in scala 4:1 raggiunge nella realtà dimensioni fino a circa 10 cm ed è attraversata da 8000 terminazioni nervose. La sua struttura non ricorda casualmente l'organo sessuale maschile, infatti nella loro anatomia il clitoride e il pene corrispondono. La differenza tra i due organi sessuali riguarda il loro posizionamento nel corpo: il pene è esterno per buoni 2/3 mentre la clitoride è all’interno per più del 90%. […] Esternamente appare solamente un piccolo e sensibile glande con prepuzio; è quindi visiva solo la punta dell'iceberg. La scultura in resina si basa sulla rappresentazione realizzata nel 2016 dalla scienziata Odile Fillod, in risposta all’assenza di raffigurazioni integrali del genitale femminile. La struttura anatomica di base è stata mantenuta, le radici della clitoride si levano come ali dal bulbo e sembrano mettere in moto l'organo del piacere femminile che sessualmente eccitato, si riempie di sangue aderendo internamente alla vagina e alla vulva. (AliPaloma, in: Testo per la mostra “SUM ERGO SUM – NEW FEMINISM”, Vie al museo, Museo civico Brunico & Ex-Garage Simma, 2020)

Nomi: AliPaloma (Trova su Wikipedia)

Soggetti: figurativo

Classificazione: Acquisto di opere d'arte, Ripartizione Cultura Tedesca

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Abstract: Corpo cavo, copia dell'organo femminile del piacere che ricorda un elegante corpo in volo.

Immagine / Fotografia

Archifictions of Ekstasis (Las Vegas) / Ferrari, Karin

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Titolo / Responsabilità: Archifictions of Ekstasis (Las Vegas) / Ferrari, Karin

Descrizione fisica: fotografia : altezza 80 cm - larghezza 60 cm - con cornice altezza 81 cm - larghezza 61 cm - profondità 3 cm

Data:2020

Nota:

alluminio
fotografato
stampato (digitale)
[…] Karin Ferrari imitiert die Prinzipien, die Verschwörungstheorien in Anschlag bringen: den Generalverdacht, der sich am kleinen Detail nährt, um das Vertrauen in die eigene Urteilskraft zu unterhöhlen. Was ihre Projekte so wertvoll macht: Dies geschieht in künstlerischer Aufarbeitung und nach geduldiger Recherche. Ferrari nennt ihre Kunst eine “abgedrehte Ikonologie”. Die Welt der malignen Gedanken kehrt darin wieder, allerdings nicht als Fortsetzung der Verschwörung, sondern in einer Schubumkehr, als Mimikry und gewiefte Kunst. (Thomas Trummer, Direktor des Kunsthauses Bregenz, in "Mysterious New York", anlässlich der Verleihung des Kunstpreises der Stadt Innsbruck 2020 an Karin Ferrari, Bregenz, 16. Dezember 2020) Die Werke entstanden im Zuge meiner künstlerischen Auseinandersetzung mit pseudo-sakraler Architektur. Dieses Architekturphänomen fiel mir zum ersten Mal 2018 bei einer Recherchereise in Bali auf. Wie vielen anderen westlichen Touristinnen und Touristen schien es mir bisweilen unmöglich, im traditionellen balinesischen Wohnbau zwischen sakralen und profanen Gebäuden zu unterscheiden. […] Überall auf der Welt gibt es Imitationen sakraler Architektur und mythologischer Themen in der Gestaltung von Gebäuden wie Casinos, Freizeitanlagen, Banken und Hotels. Während dies schnell als Kitsch oder postmoderne Perversionen abgetan werden kann, führt eine genauere Betrachtung dieses allgegenwärtigen Phänomens auch zu einer Reihe von Fragen zu unserer gebauten Umwelt. Welche überirdischen Sehnsüchte und utopischen Fantasien manifestieren sich hier und warum? Nach dem Erlebnis in Bali reiste ich mit dem Moped durch Südostasien und dokumentierte Hotelanlagen, die sakrale Bauelemente zitieren. Das Werk „RENAISSANCE (Kuala Lumpur)“ basiert auf einem Foto, das ich vom Hoteleingang des Hotels Renaissance in Kuala Lumpur geschossen habe. Das Motiv in „ARCHIFICTION OF EKSTASIS (Las Vegas)“ ist eine abfotografierte und digital überarbeitete Abbildung aus dem Buch „Learning from Las Vegas“. Man kann noch die Wölbung der Seite im Bund erkennen. „Learning from Las Vegas“ (1972) ist ein Klassiker von Robert Venturi, der die Postmoderne aufbereitet und das Verständnis des Symbolischen in der Architektur erneuert hat. Es überrascht nicht, dass pseudo-sakrale und fantastische Architektur – ein globales Phänomen – besonders stark in den USA ausgeprägt ist. So weitete ich im folgenden Jahr meine künstlerische Forschung auf die USA aus. Im März 2020 in New York zu sein, um Architektur zu studieren, war eine ganz besondere Zeit. Als sich die Metropole während des Lockdowns zu Beginn des Covid-19 Ausbruchs entleerte, konnte ich die Stadt zum ersten Mal wirklich sehen. In Manhattan fiel mir auf den Dächern der Hochhäuser ein besonderes architektonisches Phänomen auf: Nützliche Anbauten für die Infrastruktur wie Aufzugsschächte und Wassertanks oder mehrstöckige Penthouse-Einheiten, die tatsächlich wie Kultstätten aussehen, ragen aus vielen New Yorker Wolkenkratzern empor. Ich dokumentierte diese Strukturen und es entstand das Buch „Rooftop Temples of New York City“, das 2021 im Verlag für moderne Kunst erschienen ist. […] (Karin Ferrari, 2021)

Nomi: Ferrari, Karin (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Acquisto di opere d'arte, Ripartizione Cultura Tedesca

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Abstract: Foto n° 1 dalla serie in più parti “Archi_Fictions of Ecstasy”. Fotografia a colori, elaborazione digitale e stampa diretta su Alu-Dibond Butlerfinish (metallo), in Artbox. Ed. 2/5 + 1 AP. Sul verso didascalia a mano e firma d’autore: “ARCHIFICTION OF EKSTASIS [LAS VEGAS], 2/6, 2020, Karin Ferrari”.

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Befreiung Sasmujel 02 / Kostner, Hubert - Schgaguler, Martin

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Titolo / Responsabilità: Befreiung Sasmujel 02 / Kostner, Hubert - Schgaguler, Martin

Descrizione fisica: fotografia : altezza 105 cm - larghezza 91 cm - con cornice altezza 107.5 cm - larghezza 94 cm - profondità 4 cm

Data:2020

Nota:

carta
fotografato
stampato (stampa a pigmenti)
La prima scalata del Sassolungo avvenne da parte dell’alpinista austriaco Paul Grohmann e due guide alpine il 13 agosto del 1869 e fu un evento sensazionale. A 150 anni di distanza questa pietra miliare dell’alpinismo venne celebrata con un evento di arte, musica e performance all’insegna del contemporaneo nell’ambito del festival culturale Transart 2019. Nel suo progetto l’artista Hubert Kostner è andato a fondo del concetto dell’“essere legato” e ha “legato” a sua volta nel mezzo dell’anfiteatro roccioso del Sassolungo, a 2400 m sopra il livello del mare, una roccia solitaria con 10500 metri di corde da arrampicata. Il masso dalla superficie dura e ruvida si è rivestita di una seconda pelle, una nuova superficie morbida che prestò il nome al progetto – Sasmujel in ladino significa “pietra morbida”. Per la durata di un anno, dall’estate del 2019 all’estate del 2020, Sasmujel era visibile come una piccola macchia di colore, adagiata nel letto, anche di neve, del massiccio del Sassolungo. In un atto di liberazione nell’estate 2020 l’artista ha liberato la pietra dalle corde e ha lasciato il luogo così come l’ha trovato. Cosa rimane? Rimangono le fotografie di Martin Schgaguler: immagini in alta risoluzione del Sasmujel e dell’atto di liberazione. Mostrano in grande formato la forza espansiva delle montagne e l’intervento in esse limitato nel tempo e nello spazio. (Comunicato stampa Transart 2019, Hubert Kostner 2021)

Nomi: Kostner, Hubert (Trova su Wikipedia) Schgaguler, Martin (Trova su Wikipedia)

Soggetti: paesaggio

Classificazione: Acquisto di opere d'arte, Ripartizione Cultura Tedesca

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Abstract: fotografia n° 2 dalla serie in x parti "Befreiung Sasmujel" (liberazione del Sasmujel), Ed. 1/3 + 2 AP. Progetto realizzato nell’ambito del festival di cultura contemporanea Transart 2019 nell’arena rocciosa del Sassolungo insieme al fotografo Martin Schgaguler. Firme d’autore in basso a destra e sul retro con penna nera su un’ettichetta con le didascalie: “Schgaguler, Hubert Kostner”.

Immagine / Fotografia

In between / Die Zukunft gehört uns nicht / Mayer, Linda Jasmin

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Titolo / Responsabilità: In between / Die Zukunft gehört uns nicht / Mayer, Linda Jasmin

Descrizione fisica: fotografia : altezza 75 cm - larghezza 100 cm - con cornice altezza 77 cm - larghezza 102 cm - profondità cm

Data:2020

Nota:

alluminio
fotografato
stampato (stampa a getto d'inchiostro)
Die Arbeit ‘In between Die Zukunft gehört uns nicht‘ von Linda Jasmin Mayer ist während eines dreimonatigen Residency-Aufenthalts an der Cité International des Arts in Paris entstanden. Begleitet von einem sozialen Lockdown, der sich in jenen Monaten durch ganz Europa zieht, findet sich das Künstlerpaar Linda Jasmin Mayer und Sebastian Kubalka mit einem 50 qm großen und in Bienenwachs getränktem Baumwolltuch in Paris wieder. Ursprünglich sollten aus dem Tuch Kostüme entstehen, die mit Menschen in den Straßen von Paris interagieren. Doch die Straßen von Paris sind leer. Das Künstlerpaar reagiert auf die Situation: Das Tuch wird verwandelt, in einen Löwen, Hund, Vorhang, fungiert als Leinwand und als Raumteiler ihrer Wohnung. Das Tuch ist demnach ein Ding, welches durch seine spezifische Stellung innerhalb eines Gefüges den entscheidenden Unterschied macht, die Dinge in Bewegung bringt und zu einer ausschlaggebenden Kraft wird. Das Tuch ist im Sinne von Jane Bennett’s Vibrant Matter (Lebhafte Materie) nicht als passives Objekt zu betrachten, sondern als Aktant in einem Gefüge. Eine der wenigen Gefährtinnen, denen Linda und Sebastian während ihrer Residency begegnen, ist die finnische Künstlerin Kristina Sedlerova-Villanen. Die Arbeit ‘In between Die Zukunft gehört uns nicht‘ zeigt den Frauenkörper von Kristina. Eingehüllt im Bienenwachskostüm verschmilzt der menschliche Körper mit Findlingen im Wald von Fontainebleau. Eine Begegnung zwischen Menschlichem und Nicht-Menschlichem, dieser ‘lebhaften, vitalen, energischen, vibrierenden, schwingenden, flüchtigen Materie‘, in einem Gefüge. (Simone Mair, Kuratorin, BAU. Auszug aus der Eröffnungsrede zur Ausstellung L'AVENIR NOUS APPARTIENT L'AVENIR NE NOUS APPARTIENT PAS von Linda Jasmin Mayer und Sebastian Kulbaka, 30.07.-04.09.2021, Galerie Prisma, Bozen.)

Nomi: Mayer, Linda Jasmin (Trova su Wikipedia)

Soggetti: paesaggio con figura

Classificazione: Acquisto di opere d'arte, Ripartizione Cultura Tedesca

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Abstract: fotografia, Ed. 3 + 1 AP. Raffigurazione di una donna avvolta da un panno di cera tra due massi eratici in un bosco. Sul retro scritto a mano con pennarello nero: "In between / Die Zukunft gehört uns nicht / 3 + 1 AP / 2020 / Linda J. Mayer".

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Renaissance (Kuala Lumpur) / Ferrari, Karin

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Titolo / Responsabilità: Renaissance (Kuala Lumpur) / Ferrari, Karin

Descrizione fisica: fotografia : altezza 80 cm - larghezza 60 cm - con cornice altezza 81 cm - larghezza 61 cm - profondità 3 cm

Data:2020

Nota:

alluminio
fotografato
stampato (digitale)
[…] Karin Ferrari imitiert die Prinzipien, die Verschwörungstheorien in Anschlag bringen: den Generalverdacht, der sich am kleinen Detail nährt, um das Vertrauen in die eigene Urteilskraft zu unterhöhlen. Was ihre Projekte so wertvoll macht: Dies geschieht in künstlerischer Aufarbeitung und nach geduldiger Recherche. Ferrari nennt ihre Kunst eine “abgedrehte Ikonologie”. Die Welt der malignen Gedanken kehrt darin wieder, allerdings nicht als Fortsetzung der Verschwörung, sondern in einer Schubumkehr, als Mimikry und gewiefte Kunst. (Thomas Trummer, Direktor des Kunsthauses Bregenz, in "Mysterious New York", anlässlich der Verleihung des Kunstpreises der Stadt Innsbruck 2020 an Karin Ferrari, Bregenz, 16. Dezember 2020) Die Werke entstanden im Zuge meiner künstlerischen Auseinandersetzung mit pseudo-sakraler Architektur. Dieses Architekturphänomen fiel mir zum ersten Mal 2018 bei einer Recherchereise in Bali auf. Wie vielen anderen westlichen Touristinnen und Touristen schien es mir bisweilen unmöglich, im traditionellen balinesischen Wohnbau zwischen sakralen und profanen Gebäuden zu unterscheiden. […] Überall auf der Welt gibt es Imitationen sakraler Architektur und mythologischer Themen in der Gestaltung von Gebäuden wie Casinos, Freizeitanlagen, Banken und Hotels. Während dies schnell als Kitsch oder postmoderne Perversionen abgetan werden kann, führt eine genauere Betrachtung dieses allgegenwärtigen Phänomens auch zu einer Reihe von Fragen zu unserer gebauten Umwelt. Welche überirdischen Sehnsüchte und utopischen Fantasien manifestieren sich hier und warum? Nach dem Erlebnis in Bali reiste ich mit dem Moped durch Südostasien und dokumentierte Hotelanlagen, die sakrale Bauelemente zitieren. Das Werk „RENAISSANCE (Kuala Lumpur)“ basiert auf einem Foto, das ich vom Hoteleingang des Hotels Renaissance in Kuala Lumpur geschossen habe. Das Motiv in „ARCHIFICTION OF EKSTASIS (Las Vegas)“ ist eine abfotografierte und digital überarbeitete Abbildung aus dem Buch „Learning from Las Vegas“. Man kann noch die Wölbung der Seite im Bund erkennen. „Learning from Las Vegas“ (1972) ist ein Klassiker von Robert Venturi, der die Postmoderne aufbereitet und das Verständnis des Symbolischen in der Architektur erneuert hat. Es überrascht nicht, dass pseudo-sakrale und fantastische Architektur – ein globales Phänomen – besonders stark in den USA ausgeprägt ist. So weitete ich im folgenden Jahr meine künstlerische Forschung auf die USA aus. Im März 2020 in New York zu sein, um Architektur zu studieren, war eine ganz besondere Zeit. Als sich die Metropole während des Lockdowns zu Beginn des Covid-19 Ausbruchs entleerte, konnte ich die Stadt zum ersten Mal wirklich sehen. In Manhattan fiel mir auf den Dächern der Hochhäuser ein besonderes architektonisches Phänomen auf: Nützliche Anbauten für die Infrastruktur wie Aufzugsschächte und Wassertanks oder mehrstöckige Penthouse-Einheiten, die tatsächlich wie Kultstätten aussehen, ragen aus vielen New Yorker Wolkenkratzern empor. Ich dokumentierte diese Strukturen und es entstand das Buch „Rooftop Temples of New York City“, das 2021 im Verlag für moderne Kunst erschienen ist. […] (Karin Ferrari, 2021)

Nomi: Ferrari, Karin (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Acquisto di opere d'arte, Ripartizione Cultura Tedesca

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Abstract: Foto n° 2 dalla serie in più parti “Archi_Fictions of Ecstasy”. Fotografia a colori, elaborazione digitale e stampa diretta su Alu-Dibond Butlerfinish (metallo), in Artbox. Ed. 3/5 + 1 AP. Sul verso didascalia a mano e firma d’autore: “RENAISSANCE [KUALA LUMPUR], 3/6 2020, Karin Ferrari”.

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Rooftop Temples of New York City (Bryant Park NYU) / Ferrari, Karin

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Titolo / Responsabilità: Rooftop Temples of New York City (Bryant Park NYU) / Ferrari, Karin

Descrizione fisica: fotografia : altezza 80 cm - larghezza 60 cm - con cornice altezza 81 cm - larghezza 61 cm - profondità 3 cm

Data:2020-2022

Nota:

alluminio
fotografato
stampato (digitale)
[…] Karin Ferrari imitiert die Prinzipien, die Verschwörungstheorien in Anschlag bringen: den Generalverdacht, der sich am kleinen Detail nährt, um das Vertrauen in die eigene Urteilskraft zu unterhöhlen. Was ihre Projekte so wertvoll macht: Dies geschieht in künstlerischer Aufarbeitung und nach geduldiger Recherche. Ferrari nennt ihre Kunst eine “abgedrehte Ikonologie”. Die Welt der malignen Gedanken kehrt darin wieder, allerdings nicht als Fortsetzung der Verschwörung, sondern in einer Schubumkehr, als Mimikry und gewiefte Kunst. (Thomas Trummer, Direktor des Kunsthauses Bregenz, in "Mysterious New York", anlässlich der Verleihung des Kunstpreises der Stadt Innsbruck 2020 an Karin Ferrari, Bregenz, 16. Dezember 2020) Die Werke entstanden im Zuge meiner künstlerischen Auseinandersetzung mit pseudo-sakraler Architektur. Dieses Architekturphänomen fiel mir zum ersten Mal 2018 bei einer Recherchereise in Bali auf. Wie vielen anderen westlichen Touristinnen und Touristen schien es mir bisweilen unmöglich, im traditionellen balinesischen Wohnbau zwischen sakralen und profanen Gebäuden zu unterscheiden. […] Überall auf der Welt gibt es Imitationen sakraler Architektur und mythologischer Themen in der Gestaltung von Gebäuden wie Casinos, Freizeitanlagen, Banken und Hotels. Während dies schnell als Kitsch oder postmoderne Perversionen abgetan werden kann, führt eine genauere Betrachtung dieses allgegenwärtigen Phänomens auch zu einer Reihe von Fragen zu unserer gebauten Umwelt. Welche überirdischen Sehnsüchte und utopischen Fantasien manifestieren sich hier und warum? Nach dem Erlebnis in Bali reiste ich mit dem Moped durch Südostasien und dokumentierte Hotelanlagen, die sakrale Bauelemente zitieren. Das Werk „RENAISSANCE (Kuala Lumpur)“ basiert auf einem Foto, das ich vom Hoteleingang des Hotels Renaissance in Kuala Lumpur geschossen habe. Das Motiv in „ARCHIFICTION OF EKSTASIS (Las Vegas)“ ist eine abfotografierte und digital überarbeitete Abbildung aus dem Buch „Learning from Las Vegas“. Man kann noch die Wölbung der Seite im Bund erkennen. „Learning from Las Vegas“ (1972) ist ein Klassiker von Robert Venturi, der die Postmoderne aufbereitet und das Verständnis des Symbolischen in der Architektur erneuert hat. Es überrascht nicht, dass pseudo-sakrale und fantastische Architektur – ein globales Phänomen – besonders stark in den USA ausgeprägt ist. So weitete ich im folgenden Jahr meine künstlerische Forschung auf die USA aus. Im März 2020 in New York zu sein, um Architektur zu studieren, war eine ganz besondere Zeit. Als sich die Metropole während des Lockdowns zu Beginn des Covid-19 Ausbruchs entleerte, konnte ich die Stadt zum ersten Mal wirklich sehen. In Manhattan fiel mir auf den Dächern der Hochhäuser ein besonderes architektonisches Phänomen auf: Nützliche Anbauten für die Infrastruktur wie Aufzugsschächte und Wassertanks oder mehrstöckige Penthouse-Einheiten, die tatsächlich wie Kultstätten aussehen, ragen aus vielen New Yorker Wolkenkratzern empor. Ich dokumentierte diese Strukturen und es entstand das Buch „Rooftop Temples of New York City“, das 2021 im Verlag für moderne Kunst erschienen ist. […] (Karin Ferrari, 2021)

Nomi: Ferrari, Karin (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Acquisto di opere d'arte, Ripartizione Cultura Tedesca

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Abstract: Foto n° 5 dalla serie in più parti “Archi_Fictions of Ecstasy”. Fotografia a colori, elaborazione digitale e stampa diretta su Alu-Dibond Butlerfinish (metallo), in Artbox. Ed. 3/5 + 1 AP. Sul verso didascalia a mano e firma d’autore: “BRYANT PARK NYU, Rooftop Temples of New York City, 2020/2022, 2/6, Karin Ferrari”.

Bene culturale / Oggetto

Floor Plan 1:3 / Sander, Karin

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Titolo / Responsabilità: Floor Plan 1:3 / Sander, Karin

Descrizione fisica: tessuto - installazione : tappeto larghezza 812 cm - tappeto lunghezza 1715 cm

Data:2020

Nota:

lana
tessuto
Le opere della serie "FLOOR PLAN" (2012 - in corso) consistono in tappeti basati su disegni architettonici dell’attuale spazio espositivo. Il fondo color crema mostra note e riferimenti standardizzati dei vari elementi architettonici. Ogni tappeto riproduce accuratamente il disegno architettonico e incoraggia il pubblico ad esplorare lo spazio per trovare le caratteristiche raffigurate sul piano. La divergenza tra una planimetria e l'esperienza dello spazio reale che rappresenta attira l'attenzione sui diversi effetti della mediazione di informazioni spaziali.

Nomi: Sander, Karin (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Collezione Museion

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Abstract: Tappeto di lana raffigurante la planimetria della sala espositiva al quarto piano di Museion. Karin Sander ha fatto realizzare il tappeto in scala di 1:3 rispetto alla planimetria ingrandendo le linee in proporzione fino a uno spessore di 4 cm e portando in questo modo all’assurdo la precisione della pianta architettonica. La piantina ingrandita sul tappeto, che è posizionata al centro della sala espositiva con riportate le misure e spessori delle pareti, può essere calpestata e letta dal pubblico. L’artista interviene nello spazio con un’opera che è un’astrazione dello spazio in cui si trova, ma che induce anche a un’esperienza fisica che disattende le aspettative abituali di chi lo frequenta.

Bene culturale / Oggetto

Space Junk / Leimer, Sonia

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Titolo / Responsabilità: Space Junk / Leimer, Sonia

Descrizione fisica: scultura - installazione : opera diametro 120 cm - opera lunghezza 160 cm

Data:2020

Nota:

acciaio
saldato
Da alcuni anni Sonia Leimer si interessa ai rottami spaziali che letteralmente cadono dal cielo. Questi relitti di satelliti e altri veicoli spaziali sono pesantemente danneggiati dall’ingresso nell’atmosfera e dall’impatto sulla superfice terrestre e mostrano tutti i segni del loro viaggio di ritorno non programmato. Per l’artista questi oggetti in metallo rappresentano l’infrastruttura materiale che sta dietro ai nostri ambienti di vita, che nel presente digitale sono sempre più immateriali, e tematizzano le questioni legate agli aspetti ecologici dello sviluppo tecnologico. Dal punto di vista formale le sculture di Leimer intitolate Space Junk assomigliano a veri rottami spaziali e nascono consapevolmente dal discostamento e dalla deformazione dell’originale. (Mostra "Space Junk", Museion, 10.10.2020 - 31.01.2021)

Nomi: Leimer, Sonia (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Collezione Fondazione Cassa di Risparmio di Bolzano

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Abstract: Scultura in acciaio ispirata alla forma di un rottame spaziale. Non si tratta di un calco, ma di una scultura ispirata alle forme di relitti spaziali esistenti. Ogni scultura della serie Space Junk mostra una leggera variazione o distorsione rispetto all'originale.

Bene culturale / Oggetto

Lumi / ZimmerFrei

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Titolo / Responsabilità: Lumi / ZimmerFrei

Descrizione fisica: media audiovisivo : Video durata 48 min

Data:2020

Nota:

filmato (HD-Cam)

Nomi: ZimmerFrei (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Collezione Museion

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Abstract: Ed. unica (+ 3 exhibition copies di proprietà di ZimmerFrei) - Video HD esposibile sia come video monocanale che come installazione video a 5 canali. Lumi è un film diviso in tre capitoli ispirato da recenti studi sociologici e antropologici, ma soprattutto da persone reali incontrate da ZimmerFrei durante le ultime peregrinazioni documentarie. Si tratta di uno “staged documentary” che registra la perdita di efficacia di una parola: “identità”. Non più percepita come un'unica definizione, ma piuttosto come esigenza di riconoscimento, intreccio di somiglianze e differenze. Per la prima volta ZimmerFrei approda alla narrazione di finzione passando dalla rievocazione al “documentario messo in scena”, in cui i veri autori delle conversazioni si mescolano a giovani interpreti, alcuni italiani, altri di origini africane, migranti e/o cittadini italiani. E si conclude con un cortometraggio in cui i ruoli sono affidati ad attori professionisti. Tre storie emotive apparentemente distinte si svolgono contemporaneamente all'interno di un edificio storico, un tempo residenza del cardinale Lambertini, divenuto poi Benedetto XIV, il Papa del secolo dei Lumi. Progetto realizzato grazie al sostegno dell’Italian Council (6°Edizione 2019) programma di promozione di arte contemporanea italiana nel mondo della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo. - CREDITS: produzione: ON/Bologna curatrice progetto: Martina Angelotti sceneggiature: Anna de Manincor; Alessandro Berti suono: Massimo Carozzi dir. della fotografia: Roberto Beani  montaggio: Anna de Manincor edizione: Agnese Cornelio luci: Simone Tacconelli foto di scena: Moira Ricci produttore esecutivo: Serena Gramizzi | Bo Film  presa diretta: Alessandro Daniele titoli: Luca Coppola sottotitoli: Simone Ciani

Bene culturale / Oggetto

Handreichung - strettadimano - handshakes / Seiwald, Luis

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Titolo / Responsabilità: Handreichung - strettadimano - handshakes / Seiwald, Luis

Descrizione fisica: oggetto - performance : guanti 27 - box altezza 10.5 cm - box lunghezza 35 cm - box profondità 10.5 cm

Data:2020

Nota:

lattice
legno

Nomi: Seiwald, Luis (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Collezione Museion

Luoghi: Bolzano

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Abstract: 27 guanti entro scatola in legno rimasti quale documentazione della performance dell'artista in occasione dell'inaugurazione della mostra "unlearning categories" a Museion, Bolzano, 26.06.2020. In tempi di COVID19 una stretta di mano è diventata rara. Durante la performance Luis Seiwald, nell'area d'ingresso di Museion, stringe la mano a visitatori e visitatrici. Sulla sua mano destra l'artista indossa molti guanti uno sopra l'altro. Dopo ogni stretta di mano si toglie il guanto usato e lo inserisce in una piccola scatola di legno. Sono quello che simbolicamente rimane di una stretta di mano in un'epoca in cui la stretta di mano è proibita. Alla performance hanno partecipato Bart van der Heide (direttore di Museion), Renzo Caramaschi (sindaco di Bolzano), Adina Guarnieri, Brigitte Matthias, Hannes Egger, Heini Schwazer e vari artisti altoatesini.

Bene culturale / Oggetto

Force Majeur / Schwazer, Leander

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Titolo / Responsabilità: Force Majeur / Schwazer, Leander

Descrizione fisica: installazione : opera altezza 400 cm - lastra di supporto larghezza 100 cm - lastra di supporto lunghezza 100 cm - lastra di supporto altezza 0.8 cm

Data:2020

Nota:

metallo
vetro
materia plastica
vetro acrilico
neon
luce
montato
Autore di dipinti, sculture, meme e installazioni architettoniche, Leander Schwazer è interessato alle strutture ambigue pre- o potenzialmente post-umane. Force Majeur è un santuario linguistico della globalizzazione: un totem sonoro costruito con insegne al neon e scatole luminose montate su un’impalcatura da concerto in metallo, che afferma il concetto di “forza maggiore” in più lingue, dall’inglese al cinese mandarino. Partendo dal contesto legale in cui si è sviluppata l’espressione che dà il titolo all’opera (nel significato di evento imprevedibile che libera entrambe le parti di un accordo dal rispetto degli obblighi contrattuali) questa imponente scultura rappresenta l’esaltazione consumista resa impotente dai disastri climatici. L’opera di Schwazer, originario della provincia di Bolzano, rafforza l’immagine della città neoliberista attraverso l’uso diffuso di insegne al neon. Riecheggiando le idee di “hauntology” e di futuri perduti del teorico culturale Mark Fisher, il santuario hi-tech costituisce anche una riuscita metafora per la trasformazione post-industriale di Bolzano negli anni Ottanta: la sua architettura industriale non più occupata da forza lavoro, ma che si presta come luogo ideale per evocare un immaginario alternativo attraverso la techno. (Mostra „Techno“, Museion, 11.09.2021 – 16.03.2021)

Nomi: Schwazer, Leander (Trova su Wikipedia)

Soggetti: Opera di luce

Classificazione: Collezione Museion

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Abstract: Grande totem sonoro costruito con insegne al neon e scatole luminose montate su un’impalcatura da concerto in metallo, che afferma il concetto di “forza maggiore” in più lingue, dall’inglese al cinese mandarino.

Bene culturale / Oggetto

Untitled (Plié II) / Robert, Jimmy

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Titolo / Responsabilità: Untitled (Plié II) / Robert, Jimmy

Descrizione fisica: installazione : stampa altezza 110 cm - stampa larghezza 50 cm - piedistallo lunghezza 200 cm - piedistallo larghezza 200 cm

Data:2020

Nota:

carta
satin
legno
fotografato (fotografia a colori)
stampato (stampa a getto d'inchiostro)
montato
"Nel suo lavoro, Robert si ispira a figure chiave dell’arte contemporanea, come la coreografa Yvonne Rainer e l’artista concettuale Stanley Brouwn ed estende le discipline classiche del linguaggio alla performance. La sua opera si apre così a nuove prospettive politicizzate sulla vulnerabilità, l’identità e il genere. Utilizzando materiali umili come carta e nastro adesivo, il lavoro di Robert si concentra su quelle voci che, nella storia, sono state rese mute. La sua arte dimostra che, ciò nonostante, queste voci non sono mai veramente silenziose. Infatti, esse lasciano tracce durature, che si trasmettono attraverso piccoli gesti e atti intimi di cura, rispecchiamento e materializzazione." (mostra "Jimmy Robert, Mirror Language", Museion, 28.05. – 29.08.2021)

Nomi: Robert, Jimmy (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Collezione Museion

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Abstract: Ed. unique - Stampa d'archivio a getto d'inchiostro, nastro di raso, impiallacciatura di legno e piedistallo di legno. La stampa con l'immagine fotografica dell'artista è arrotolata a forma di cilindro e poggia su una base di legno piatta. Un lungo nastro di raso rosa scende in linea retta dal cilindro e forma un piccolo rotolo all'estremità.

Immagine / Fotografia

#1#2#3#4 Neanche il futuro purtroppo è più quello di una volta / Corrent, Claudia

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Titolo / Responsabilità: #1#2#3#4 Neanche il futuro purtroppo è più quello di una volta / Corrent, Claudia

Descrizione fisica: fotografia : cornice (cad.) altezza 48 cm - cornice (cad.) larghezza 63 cm - cornice (cad.) profondità 3.5 cm

Data:2020

Nota:

carta fotosensibile
stampato (xerografia)
fotografato
"… La famosa frase di S. Agostino - io so cos’è il tempo, ma quando me lo chiedono non so spiegarlo - rappresenta bene la difficoltà di capirne lo scorrere. Nella fotografia è chiara la volontà di immortalare qualcosa che è impossibile fermare. Ogni fotografia è un memento mori e fare fotografie vuol dire partecipare alla vulnerabilità e alla mortalità, isolando un momento e attestando la finitudine dell’uomo. In queste mie immagini d’archivio, acquisite con uno scanner, tento di rappresentare il fluire del tempo. Sono immagini di famiglia appartenenti ad un archivio che mi è stato regalato. Con un consapevole movimento dello scanner acquisiscono altre forme nelle quali si crea un’immagine completamente nuova. I ritratti e il paesaggio ne escono trasformati, i volti diventano fluidi e in divenire dentro un tempo ciclico che si ripete. Esattamente come succede alla fotografia originale che è stata mossa e fatta tornare indietro sulla parete del mio scanner. Così nel mio lavoro l’immagine acquista nuovi significati e partecipa all’idea di rappresentare solo una parte del reale. Delle fotografie, in fin dei conti, bisogna sempre dubitare…”. Perché le immagini ci tocchino veramente - afferma Didi-Hubermann - bisogna che non siano più quella rassicurante farmacia che la bellezza falsamente promette. Perché le immagini ci divorino, bisogna che noi le guardiamo come guarderemo uno sciame di mosche che si avvicina: un ronzio visivo che circonda la nostra stessa vocazione a decomporci." (Premio Piero Siena 2022)

Nomi: Corrent, Claudia (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Collezione Museion

Immagini:

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Abstract: Ed. 1/10 - Xerografia digitale, stampa fine art su carta Moab Entrada Rag Natural (4 parti). Si tratta di 4 vecchie immagini di famiglia, che l'artista ha elaborato tramite scanner creando nuove immagini completamente trasformate e fluide. In questo modo l'artista tenta di rappresentare il fluire del tempo. L'opera è entrata a far parte della collezione di Museion in quanto l'artista è risultata vincitrice (terzo premio) della prima edizione del "Premio Piero Siena 2022" promosso dall’Ufficio Cultura della Ripartizione Cultura Italiana della Provincia Autonoma di Bolzano.

Bene culturale / Oggetto

Becoming Otherwise (hot pink triangles and holes, or how to become woman?) / Gamper, Barbara

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Titolo / Responsabilità: Becoming Otherwise (hot pink triangles and holes, or how to become woman?) / Gamper, Barbara

Descrizione fisica: media audiovisivo : Video (loop) durata 9 min - Video (loop) durata 49 sec

Data:2020

Nota:

filmato (digitale)
"[...] Una mano che cerca, una bocca aperta e un petto che respira emergono dalle pieghe e dagli strati di tessuto che "ricoprono" con i loro colori la vasta superficie della facciata. Ogni inquadratura del video è accompagnata dal gesto del disegno, l'atto di tracciare linee e forme che, in questo caso, rimandano all'arte arcaica. Ne è un esempio la pittura rupestre di un corpo metà donna e metà animale: una divinità del passato trasportata nel presente digitale. Per collegare le varie fasi del video e sottolineare l'atto del fluire, il video include una serie di immagini dell'acqua del fiume Talvera che scorre davanti al museo. L'enorme superficie della facciata di Museion ha quindi restituito il dinamismo della continua mutazione creata dall'artista proiettandola sullo spazio urbano." (Barbara Gamper, Portfolio 2016-2021, tradotto dall'inglese)

Nomi: Gamper, Barbara (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Collezione Museion

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Abstract: Ed. 1/3 + 2 AP - Video 4K a colori senza audio. (+ una versione adattata specificamente per la facciata mediale di Museion) Il video originariamente creato da Barbara Gamper per la facciata di Museion presenta una live performance dell'installazione esposta durante la mostra "unlearning categories" a luglio 2020. L'installazione consiste di un grande arazzo e di una serie di immagini e icone colorate applicate al vetro dello spazio espositivo in modo da essere visibili dall'esterno. In un affascinante gioco di contatti e compenetrazioni, astrazione e figurazione, il video mostra i dettagli dell'arazzo e la loro relazione con il corpo dell'artista.

Bene culturale / Oggetto

ricordino funebre / Haller, Walter

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Titolo / Responsabilità: ricordino funebre / Haller, Walter

Descrizione fisica: ricordino funebre : altezza 10.5 cm - larghezza 14 cm

Data:2020

Nota:

cartoncino

Nomi: Haller, Walter (Trova su Wikipedia)

Classificazione: Nachlass Haller, Walter

Immagini:

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Abstract: Sterbebild von Walter Haller mit Doppelbelichtung u Tschigat

Immagine / Fotografia

fotografia

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Titolo / Responsabilità: fotografia

Descrizione fisica: fotografia

Data:2020

Soggetti: Gruppenbild

Luoghi: Merano

Immagini:

Immagine 1 di

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Abstract: Meran - Carmelo Lombardo feiert seinen 101. Geburtstag. Im Bild Stadtrat Stefan Frötscher (von rechts) mit Carmelo Lombardo und dessen Familenangehörigen

Immagine / Fotografia

fotografia

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Titolo / Responsabilità: fotografia

Descrizione fisica: fotografia

Data:2020

Soggetti: Gruppenbild

Luoghi: Merano

Immagini:

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Abstract: Meran - Solidaritätspreis 2019: Rodolfo Zanon und Johanna Hofer prämiert. Im Bild Bürgermeister Paul Rösch (von links), Johanna Hofer, Rodolfo Zanon und Sozialstadtrat Stefan Frötscher